Category: Cultura

University of Bologna Student, Paul Azemata Amune, Publishes Paper in Global Studies

 

University of Bologna Student, Paul Azemata Amune, Publishes Paper in Global Studies

 

Populism and the Rise of Xenophobia among Italians toward Immigrants

 

Abstract

Over the years, like other parts of the European Union, Italy has experienced a sharp increase in the number of immigrants entering its territory. Immigration becomes a keenly contested topic. This paper focuses on understanding people’s genuine real-world concerns by briefly identifying three specific areas that could logically explain how Italians perceive immigration. They include security, identity, and jobs. The far-right populist politicians and the media have exploited these concerns as they continue to fan the flames of fear. This has consequentially led to several incidents of intolerance meted out to immigrants and other minority groups such as Muslims and the Roma community creating an atmosphere where these minority groups are perceived and treated as intruders. Empirical data have shown that immigrants contribute to the economic growth of Italy. They also show that immigration does not increase the crime rate and likewise does not pose a threat to the social fabric. Multiculturalism beyond integration is proposed in this paper to enhance the peaceful co-existence between the minority groups and the Italians.

 

Excerpt

In the wake of an Italian government coalition in 2018 between the anti-establishment Five Star Movement and the far-right League saw the rise in violent attacks of foreigners. An anti-racist organization, Lunaria quarterly report, captures the number of racially motivated attacks against foreigners. The report states that the violence against immigrants has risen sharply in Italy, tripling between 2017 and 2018. It counted 126 physical attacks, particularly on migrants in 2018. It previously recorded twenty-seven racially motivated attacks in 2016 and forty-six in 2017 (Tondo 2019). Tondo (2019) noted that in the first two months of Matteo Salvini, (former Interior Minister well known for his anti-immigration rhetoric) entry into government, Lunaria 2018 figures recorded twelve shootings, two murders and thirty-three physical assaults against migrants. There was an instance that occurred shortly after the government instalment in 2018, involving Soumayla Sacko, an agricultural worker and a trade unionist from Mali, he was shot and killed in the southern Italian municipality of San Calogero (Robertson 2018). His death triggered a mass protest in Milan, in which protesters recited anti-racist slogans and posters read “Lega e Salvini assassini” (The League and Salvini are murderers).

Immixing, por Lic. Juan José Scorzelli


Luis de Bairos Moura (artista plástico, Tucumán, Argentina)

IMMIXING

Por Lic. Juan José Scorzelli [*]

La immixión es una mezcla que no admite la separación de sus componentes, como por ejemplo cuando mezclamos el café con el azúcar o hacemos salsa golf con mayonesa y kétchup, los elementos que la pudieron componer inicialmente se hacen indistinguibles.

 

EL SUJETO NO ES SIN OTRO

El sujeto de Lacan no es sin Otro, esto lo explicita en su Conferencia en Baltimore (1) en el año 1966, cuyo título está dado en inglés, ya que fue hablada en ese idioma (en realidad en una mezcla de inglés y francés) y es el siguiente: “Of Structure as an Immixing of an Otherness Prerequisite to Any Subject Whatever”, y cuya traducción aproximada tomada de Leonel Sánchez Trapani de la Revista Acheronta sería: Acerca de la estructura como mixtura de una Otredad, condición sine qua non de absolutamente cualquier sujeto. La palabra immixing [en inglés puede escribirse tanto inmixing como immixing] tuvo problemas de traducción en la obra de Lacan, aunque con algunas diferencias, por ejemplo, en el Seminario de La carta robada de 1957, pero reescrito en 1966, en ocasión de la publicación de los Escritos dice:

 

IMMIXTION DES SUJETS

“La pluralidad de los sujetos, naturalmente no debe ser una objeción para todos los que están avezados desde hace tiempo en las perspectivas que resume nuestra fórmula: el inconsciente es el discurso del Otro. Y no habremos de recordar ahora lo que le añade la noción de inmixtion de los sujetos (immixtion des sujets), introducida antaño por nosotros al retomar el análisis del sueño de la inyección de Irma”

Es decir, se tradujo aquí immixion por inmixtion, que no existe en castellano, pero se entendió que el término tenía un valor neológico en Lacan. Marcelo Pasternac propuso su traducción como ‘entremezcla’. El término en francés existe y significa “acción de inmiscuirse o acción de meterse una cosa en otra cosa” pero Lacan altera este uso.

 

LACAN EN BALTIMORE

El asunto es que Lacan en su Conferencia de Baltimore no desarrolla el tema, sino que solamente está postulado en el título, aunque sí lo desarrolla en otras intervenciones durante los eventos en Baltimore. En una de ellas, a propósito del tema de la invención: ‘¿Quién inventa? ¿Cuál es el sujeto de la invención?’ (2) plantea la cuestión del estatuto del sujeto y dice:

“Estoy pensando en la palabra immixing (…) pienso que la primera vez que introduje esta palabra fue precisamente para la relación de los sujetos (…) Los sujetos no son entonces aislados como los pensamos. Pero por otro lado ellos no son colectivos. Tienen una cierta forma estructural precisamente immixing”, y propone el término sujeto para esta conexión.

 

IMMIXTURADO DE OTREDAD

Ahora bien, en el Curso sobre la Ética, del 2001, Alfredo Eidelsztein postulaba la immixión de Otredad, como una concepción correspondiente a una ética para el psicoanálisis, una ética que diferencia netamente sujeto de individuo, sujeto no sin Otro. Esta es la cita:

“Cada vez que operamos con sujeto, debemos tener en cuenta cuál es la dimensión de Otredad que nos permita acceder a él. Pero, aunque nos permita acceder al sujeto, no accedemos nunca al sujeto como tal, siempre es en este prerrequisito, en esta condición sine qua non, de que sea inmixturado con Otredad. La ética que yo propongo desarrollar es exactamente esa: una ética que diga “no” a considerar en psicoanálisis al sujeto sin Otredad. El sujeto sin Otredad se llama “individuo”, e individuo es el máximo ideal, el ideal fundamental de Occidente.”

Esta posición no individualista, de Lacan para el psicoanálisis, se traduce claramente en esta cita de La cosa freudiana [pág. 398 de los Escritos I]:

“Los términos para los que planteamos aquí el problema de la intervención psicoanalítica hacen sentir bastante, nos parece, que la ética no es individualista.”

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*Extractos del escrito ‘El sujeto de Lacan’, que presenté en Yoica el lunes 29 de marzo, 2021, junto a, Yhonn Escobar Jiménez de Apola Bogotá. [se puede descargar la presentación en el siguiente enlace: https://bit.ly/3cyYdhP ]

  1. El Congreso al que Lacan fue invitado junto con otros destacados de la época [Derrida, Hyppolite, Lévi-Strauss, Braudel, Jean Pierre Vernant y otros] se desarrolló en la ciudad de Baltimore (EE.UU), entre los días 18 y 21 de octubre de 1966. La conferencia de Lacan fue el 20 y realizó dos intervenciones el día 18, una durante la ponencia de Lucien Goldman, “Estructura humana y concepto metodológico”, y otra en la presentación de Jacques Morazé sobre “Invención literaria”. El título del Congreso fue “Los lenguajes críticos y las ciencias del hombre. La controversia estructuralista”.
  2. La intervención de Lacan realizada en la ponencia de Jacques Morazé sobre ‘Invención literaria’ [extracto].

Ref. bibliográficas: Jacques Lacan, Conferencia de Baltimore/ J. Lacan, Seminario 2/ J. Lacan, La carta robada, Escritos/ Pablo Peusner, Acerca de la pertinencia del término immixión en la definición de sujeto… (UBA, Psicología, 2005)/Alfredo Eidelsztein, Otro Lacan. / A. Eidelsztein, El origen del sujeto en psicoanálisis… / A. Eidelsztein, Ciencia y psicoanálisis. Curso en Apertura Sociedad Psicoanalítica de Bs. As.

 

Biografía

Lic. Juan José Scorzelli

Psicoanalista

Miembro de APOLa Internacional (Apertura para Otro Lacan)

Fundador de la Asociación de Psicoanálisis S. Freud en Paraguay.

Ex Adherente de la Escuela de Orientación Lacaniana de Argentina (EOL).

Coordinador de Grupos de Estudio sobre psicoanálisis en Buenos Aires y en Asunción del Paraguay.

juan.j.scorzelli@gmail.com

https://www.facebook.com/Lacanos-Asunci%C3%B3n-106351344447063

Entrevista con Artista Surcoreana JeeYoung Lee por Tatiana Cwaigenberg


JeeYoung Lee

 

15/01/2021

Entrevista con JeeYoung Lee

TATIANA CWAIGENBERG

Entrevista en ingles

PREGUNTA: ¿Qué estudiaste? ¿Te permitió esa educación formal llegar a lo que hacés hoy en día?

RESPUESTA: Recibí mi título de grado en comunicación visual y diseño y un master en fotografía en la Universidad Hongik en Seoul. Siendo estudiante, elegí la fotografía como Proyecto final, que se convirtió en las bases de lo que sería mi serie “Stage of mind”. Si bien seguí los estudios para aprender más sobre fotografía, el entrenamiento tradicional no fue un factor determinante en mi concepto. Durante la Carrera me interesé por las artes del teatro y el diseño de producción. Participé en un club audiovisual en el colegio, involucrándome frecuentemente en el equipo de montaje escénico. Trabajé también de asistente en una productora de comerciales. Creo que lo que verdaderamente formó lo que produzco hoy en día fueron mi personalidad, mis intereses y mis experiencias.

 

P: ¿Podrías guiarnos en tu proceso de creación y desarrollo de tus trabajos? Dijiste en entrevistas previas que elegís no retocar digitalmente tus fotos, ¿por qué es eso?

R: Una vez que me decido en un tema/objeto, realizo un boceto de lo que voy a generar. Luego paso a la investigación, preparación y planificación. Suelo probar diferentes materiales hasta encontrar el correcto. Cuando defino todo eso es el momento de la producción en sí.  Tengo un marco de madera dispuesto en mi estudio. Lo pinto, creo manualmente los objetos que irán en el set y los voy ubicando en este. Una vez listo el set, saco fotos de prueba. A veces aparezco en esas fotos como modelo. El resultado final lo capturo con una cámara analógica de formato largo 4×5. Hecha la fotografía, desarmo todo el set.

La existencia es un componente clave en mi trabajo. No modifico digitalmente mis fotos por las siguientes razones: Lo que hago es una recreación de distintos paisajes internos generados en mi mente, pero a la vez son “reales” porque reflejan mis experiencias y emociones. Materializo lo que está en mi cabeza armando instalaciones y documentándolas en fotografía, el medio más fidedigno para registrar la realidad. Creo que esto explica por qué elijo la fotografía en conjunto con las instalaciones como medio.

El resultado final es en forma de fotografía, pero considero el proceso de armar la instalación, posar dentro de ella, sacar la foto y destruir el set como partes dentro del todo en mis creaciones artísticas. El agotador y riguroso proceso de armar el set es casi un recorrido espiritual. Capturar un momento en el tiempo, armar el set y posar detrás de una cámara me permite dar un paso atrás y observar la experiencia como una tercera persona. En otras palabras, revivo la experiencia como la protagonista y como observadora. Mis obras me permiten recapitular mis experiencias pero también me ayudan a superar las emociones implicadas en ellas. Todo se encuentra involucrado en mis esfuerzos por crecer y progresar, mirándome y mirando mi vida de forma más positiva.

 

P: ¿Qué artistas te influenciaron?

R: Mi artista favorito/a cambia todo el tiempo. Últimamente me gustan las obras de Chiharu Shiota y Yayoy Kusama. Tim Burton y Michel Gondry son mis preferidos desde siempre. Suelo inspirarme de diversos/as fotógrafos/as de sets artísticos también.

 

P: Cuando en Buenos Aires se realizó la puesta de la exhibición de Yayoi Kusama fue furor. En sus exhibiciones, la interacción con el espacio en específico es esencial y a la vez fluctuante, se adapta y se modifica. ¿Qué aspectos positivos y negativos encontrás en llevar a cabo tus sets en estudio y no directo sobre galerías? ¿Qué efectos genera la fotografía como producto final en los espectadores y las espectadoras y en la obra artística en sí?

R: Lo que creo en mi estudio es un registro de mis propios tiempos y soy libre de las restricciones temporales, aunque esté restricta en términos de espacio. Cuando creo instalaciones para que audiencias las vivan, considero su percepción del espacio y experiencia un componente esencial. La pregunta del “dónde” también es una parte importante de mis instalaciones. Cuando recreo una pieza, ajusto detalles, escalas y diseño para que se ajuste a la locación. Cada instalación es diferente incluso si es una réplica de algún trabajo anterior.

Ninguna de mis instalaciones está creada para ser preservada para siempre. La fotografía es el resultado del proceso. Espero que quienes la ven puedan expandir su imaginación por sobre la escena y encontrar algo replete de significado. Espero que descubran un relato en ellos mismos y ellas mismas.

 

P: ¿Cuáles de tus obras son tus favoritas? ¿Por qué?

R: “Ansiedad” fue importante para mí. Esa pieza consiste de dos partes: video y fotografía. Representan el reino de lo consciente/exterior y de lo subconsciente/interior. Contraté a una performer y la grabé. La parte en video de esta obra aborda de forma más directa las emociones. “Ansiedad” fue experimental para mí porque debí y logré separar mi yo interior en dos capas (la consciente y la subconsciente) como si soñase dentro de un sueño.

Quiero realizar más videos en el futuro. Creo que este sería una buena referencia.


Anxiety

P: Tus trabajos son considerados por algunas personas como surrealistas, ¿te sentís conectada con ese movimiento?

R: Creo que las personas dirían que mis fotos son surrealistas porque recurro a metáforas, símbolos y códigos para expresarme visualmente. Siempre estuve interesada en reinterpretar lo que siento familiar o cercano y transformarlo en algo desconocido.

 

P: ¿Sentís que tus obras tengan un trasfondo político?

R: No creo que mi obra tenga trasfondos políticos. Se centra en lo personal, los recuerdos, las emociones. Pero si me involucrase con algún movimiento político, no dudaría en que se vuelva un tema en mis próximos trabajos.

 

P: ¿Cuáles tres palabras elegirías para describir a tu país? ¿Cómo sentís que Corea del Sur haya influenciado en tus trabajos?

R: Competitividad, velocidad y presión. Surcorea ha progresado mucho en poco tiempo. Somos muy sensibles al cambio y nos incorporamos rápido a nuevas tendencias. También tenemos altas expectativas en las personas. Como parte de esta sociedad, siempre siento cierta presión que expreso luego en mis fotos.

 

P: En los últimos años, el arte asiático ha tenido mucho impacto internacional. ¿Notás el panorama artístico de tu país incrementando y expandiéndose? ¿Qué percibís de este intercambio entre Asia y el resto del mundo?

R: Sé que el cine coreano y nuestra cultura pop ha incrementado en seguidores. Las redes sociales nos permitieron crear grupos donde intercambiar intereses sin restricciones geográficas. Creo que estos intercambios culturales ampliarán perspectivas en la gente y permitirán superar ciertas diferencias o tensiones entre culturas. En tiempos como estos, nos definen más nuestros gustos que dónde estamos.

 

P: ¿Te gusta trabajar en equipo? ¿Cuáles son tus próximos pasos?

R: ¡Siempre recibo con gusto la posibilidad de trabajar con un equipo! Por el momento estoy planeando filmar un video-performance con una coreógrafa para mi próxima obra. También me interesan las cuestiones ambientales. Me gustaría crear algo usando materiales reciclados abordar este problema.

 

Gamer

Link to Bio – JeeYoung Lee
Jeeyoung Lee es licenciada de artes en diseño y comunicación visual de la universidad Hongik (Seúl, Corea del Sur) y tiene un master en fotografía en la misma universidad.
Ha realizado 11 exhibiciones por su cuenta incluyendo Devaneios: Os Mundos de JeeYoung Lee (Farol Santander, Brasil), Stage of Mind (K11 Art Space, Hong Kong) y Stage of Mind: Scène d’Esprit (Opiom Gallery, Francia). También participó de exhibiciones grupales como The New Era of Photography: The Fever of “Self- Portraits” (Pier 2 Art Center, Taiwan), Another Way of Telling (Suwon IPark Museum of Art, Corea del Sur), The Secret Kingdom (Buk Seoul Museum of Art, Corea del Sur) e Imaginarium (Singapore Art Museum, Singapur).
Se han publicado diversos artículos y entrevistas sobre su trabajo en revistas y medios tales como Cultura en la BBC, CNN internacional, el Huffington Post, el New York Times, en tres medios franceses y más.
JeeYoung Lee recibió varios premios, tales como The Sovereign Asian Art Prize Finalists Top 30 (2012, Hong Kong) y OCI Young Creatives (2013, Corea del Sur).

 

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Biografía – Tatiana Cwaigenberg

Tatiana Cwaigenberg es una estudiante argentina que vive en Buenos Aires y pasó el año final de su educación inicial en Londres. Asiste a un taller de escritura creativa, estudia música e idiomas  y está incursionando en la realización cinematográfica. Da apoyo escolar para chicos/as de primaria y jardín en un merendero autogestionado por estudiantes.

Interview with South Korean Visual Artist JeeYoung Lee by Tatiana Cwaigenberg


JeeYoung Lee

 

15/01/2021

Interview with JEEYOUNG LEE

TATIANA CWAIGENBERG

For Spanish interview, click here

QUESTION: What did you study? Did that formal education got you into your actual work concept?

ANSWER: I got my bachelor’s degree in visual communication design and a master’s degree in photography at Hongik University in Seoul. When I was an undergraduate I chose photography for my graduate exhibition which became the blueprint for the ‘Stage of Mind’ series. I ended up going to graduate school to learn more about photography, but classic training was not a determining factor for my signature concept and platform. While an undergraduate I was interested in theatre arts and production design. I was an active member of a filmmaking club in the school, often heading the stage setup team. And I worked as an assistant at a television commercial production company. I believe my character, interest, and experience are what shapes what I create today.

 

Q: Could you guide us through the process in which you create and develop your work? You said in previous interviews that you choose not to alter your photographs digitally, why is that?

A: Once I decide on a theme and subject, I make a rough draft of what I am going to create. Then I move on to research, preparation, and planning. I often test out different materials to find the right one. Once that is all settled it is time for actual production. I have a wooden frame setup in my studio. I paint it, create objects that go into the set, and fill it one item at a time. When the set is complete, I take test shots of the set. I appear in many of my photographs as a model. The final output is taken with a 4×5 large format film camera. The set is dissembled once the final photograph is produced.

Existence is a key component of my work. I do not digitally modify my photographs for the reasons below.

What I make is a recreation of my mental landscape, but it is ‘real’ because it reflects my experience and emotions. I materialize what is in my head by building an installation and documenting the scene on photograph, a media that is used to record reality. I believe this explains why I choose photography and installation as a medium.

The final artwork is in the form of photography, but I consider the entire process of building an installation, posing, taking the photograph, and destroying the set an integral part of my artistic creations. The grueling process of building the set is almost like a spiritual journey. Capturing a moment in time, making an installation, and posing behind the camera allows me to take a step back and observe the experience as a third person. In other words, I relive the experience as the protagonist and an observer. My artwork allows me to look back at my experience but it also helps me get over the emotions involved with that experience. It is all in part of my effort to grow and progress by taking a positive look at myself and my life.

 

Q: Which artists have influenced and inspired you?

A: My favorite artist changes all the time. Recently I like the works of Chiharu Shiota and Kusama Yayoi. Tim Burton and Michel Gondry are longtime favorites. I am inspired by set art photographers as well.

 

Q: When Yayoi Kusama’s exhibition was held in Buenos Aires it was a hit. In her exhibitions, interaction with a specific space is essential and also fluid, in constant change and adaptation. What benefits and negative aspects can you identify in carrying out the installations in your studio instead of in galleries? What effects does being a photograph the final product has in the viewers and the art piece itself?

A: What I create in my studio is a recording of sorts of my time and I am free from time restrictions but I am restricted in terms of space.

When I create an installation for the audience to experience, I consider their perception of the space and experience an essential part of my work. The question of ‘where’ is also an important part of my installation. When I recreate an installation piece, I adjust details, scale, and design to suit the location. It means every installation is different even if it is a replica of a certain work that I produced in the past.

None of my installations are meant to be preserved permanently. The photograph is the result of the overall and complex process of my work.

I hope the viewers get to expand their imagination beyond the scene and find something meaningful in my work. I hope they discover a story of their own.

 

Q: Which of your works would you pick as your favourites? Why?

A: Anxiety was special for me. The piece consists of two parts; video and photography.

They represent the conscious realm/exterior and subconscious realm/interior. I hired a performer and recorded her performance on video. The video portion of this piece takes a much direct approach to emotions. Anxiety was experimental for me in that I separated my inner self into two layers – the conscious and subconscious – as if to have a dream within a dream.

I want to produce more videos in the future. I believe this piece will be a good reference.


Anxiety

Q: Some people present your work as surrealist, do you feel connected to that movement?

A: I think people say that my photographs are surrealist because I use metaphors, symbols, and codes to express myself visually. I have always been interested in reinterpreting what feels familiar and turn it into something unfamiliar.

 

Q: Do you feel your work to be political in some way?

A: I don’t think my work has any political messages. It focuses more on personal experience, memories, and emotions. But if I pick up an interest in certain political movements, it will certainly become a theme in my future work.

 

Q: Which three words would you pick to describe your country with? How do you feel Korea has influenced your work?

A: Competitive, pressure, and speed. Korea has come a long way in such a short time. We are very sensitive to change and we are quick to pick up new trends. We also have very high expectations for each individual. As part of this society, I always feel pressure and tension in life which in turn is expressed in my photographs.

 

Q: In the past years, Asian art has had a huge impact worldwide. Do notice your national art scenery increasing and broadening globally? How do you feel about this exchange?

A: I know that Korean cinema and pop culture has gained a large following over the years. Social media has allowed us to create groups that share the same interest with very little constraints of location. I believe this kind of cultural exchange will broaden peoples’ views and help people get over cultural differences. In times like these, we are defined by what we like more than where we are.

 

Q: Would you like to work with a team in the future? What are your next steps?

A: I always welcome working with a team! For the moment I am planning to film a performance video with a choreographer for my new work. I am very interested in environmental issues as well. Especially plastic. I want to create something using upcycled materials to convey this issue.

Gamer

Link to Bio – JeeYoung Lee
JeeYoung Lee gained her BFA (Bachelor of Fine Arts) in visual communication design from Hongik university and MFA (Master of Fine Arts) in photography from Hongik Graduate University, Seoul, Korea.
She has had a total of 11 solo exhibitions including Devaneios: Os Mundos de JeeYoung Lee (Farol Santander, Brazil), Stage of Mind (K11 Art Space, Hong Kong), and Stage of Mind: Scène d’Esprit (Opiom Gallery, France). She has also taken part in numerous group exhibitions such as The New Era of Photography: The Fever of “Self- Portraits” (Pier 2 Art Center, Taiwan), Another Way of Telling (Suwon IPark Museum of Art, South Korea), The Secret Kingdom (Buk Seoul Museum of Art, South Korea), and Imaginarium (Singapore Art Museum, Singapore).
Much has been published about her work in professional magazines and the worldwide media including BBC culture, CNN international, the Huffington Post, the New York Times, France 3 National news and more. 
JeeYoung Lee is a recipient of multiple artistic awards including The Sovereign Asian Art Prize Finalists Top 30 (2012, Hong Kong) and OCI Young Creatives (2013, South Korea).

 

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Biografía – Tatiana Cwaigenberg

Tatiana Cwaigenberg es una estudiante argentina que vive en Buenos Aires y pasó el año final de su educación inicial en Londres. Asiste a un taller de escritura creativa, estudia música e idiomas  y está incursionando en la realización cinematográfica. Da apoyo escolar para chicos/as de primaria y jardín en un merendero autogestionado por estudiantes.

ÚNA: Fostering connections between Latin America and Scotland through the Arts, an article by Tasmin Petrie

08/10/2020

ÚNA: Fostering connections between Latin America and Scotland through the Arts

 

As an introduction to Tasmin’s work in the arts and culture sector in Glasgow, she writes about her role within ÚNA Festival: Uniting Narratives with Arts and the roots of the festival itself.

Having joined the project in May 2019 during her Undergraduate degree in Italian and Hispanic Studies at the University of Glasgow, Tasmin is now Head of Fundraising and Charity Trustee of ÚNA. Latterly, through her own research into contemporary Latina artists, she actively continues to promote transcultural dialogues between Latin America and Scotland.

Now in its second edition, the full ÚNA Festival 2020 programme is still available to view here: https://unafest.com/day1

Since its inception in 2019, ÚNA has dedicated itself to fostering a nourishing and inclusive platform for Latin American and Scottish performers, artists and activists. The very title of the project itself is a nod to the Spanish for ‘one’ and to ‘Oonagh’ – the Celtic Queen of the Fairies. Based in Glasgow, and initially formed as a student-led initiative within the University of Glasgow, the past year has seen ÚNA go from strength to strength to now expand its global outreach through digital platforms as well as in-person events.

Our first festival in May 2019 truly exhibited a cross-section of local Scottish and Gaelic performance and artistic production, which hinged upon the prevalence of myth within Gaelic heritage, considering how mythological tales and traditions still resonate with our lives in a contemporary context. This was coupled with speakers and cultural practitioners from Latin America, whose projects work closely with Indigenous communities in order to ensure their environments are protected from damaging human impact such as deforestation and fracking. The outcome of this first edition was the creation of a network of engaged and passionate individuals, all working towards the common goal of uniting the regions of Latin America and Scotland through tapping into our shared appreciation and intrinsic knowledge of the natural world and its elements. By weaving this tapestry of rich cultural production and ancestral knowledge gleaned from Indigenous communities in Latin America and Gaelic heritage in Scotland, ÚNA has established a platform which champions early career and emerging artists, both based in Scotland and across Latin America.

Our 2020 programme built on this network of affiliated artists and cultural practitioners, despite our activities panning out somewhat differently to our first edition in 2019. Inevitably, the COVID pandemic impacted ÚNA’s programmed festival for May 2020; scheduled to take place in the Centre for Contemporary Arts in the heart of Glasgow city centre. However, our dedicate and driven team worked tirelessly despite the obstacles presented by COVID, which ultimately resulted in the curation of ÚNA’s first digital edition of the festival in June 2020. Taking our activities online afforded us the opportunity to draw together a myriad of artists and performers from Argentina, Brazil, Colombia, Mexico and Peru, as well as Scottish artists from the Outer Hebrides to Glasgow.

The silver lining of producing digital content was the ability to bring together artists from all corners of Latin America and Scotland, all without harming the environment through carbon emissions! The focus of our multidisciplinary programme this year coalesces around environmental activism and the natural elements, investigating how our engagement with these facets of everyday life has altered considerably in times of lockdown. ÚNA’s full festival programme is still available to view on our website; we hope that in a society in a constant state of flux this digital content presents an aperture to ground ourselves and re-establish a connection with the environment and the natural elements, as well as work towards building a more reciprocal relationship with our surroundings.

 

Tasmin Petrie
Tasmin’s background is in Spanish and Italian studies, in which she obtained an Undergraduate degree from the University of Glasgow. She is now pursuing a Master’s in History of Art also at the University of Glasgow, in which the focus of her current research is the deployment of ritual, healing practices and the occult as tools against patriarchal oppression in the work of Latin American women artists. Her research also encompasses rewriting the art historical canon from an intersectional feminist perspective. Tasmin takes a particular interest in promoting contemporary Latina artists and strengthening inter-cultural dialogues between Latin America and Scotland. Her most recent project in collaboration with the Latin American community is ÚNA Festival, a multidisciplinary visual arts and culture festival dedicated to fostering transcultural exchanges and highlighting the narratives of Indigenous communities from both Latin America and Scotland.