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Interlitq’s Californian Poets Interview Series: Bill Mohr, Poet, Editor, and Professor, interviewed by David Garyan

Bill Mohr (photo credit: Alexis Rhone Fancher)

Interlitq’s Californian Poets Interview Series:

Bill Mohr, Poet, Editor, and Professor

interviewed by David Garyan


Click here to read Bill Mohr’s contribution to Interlitq’s California Poets Feature


DG: I was taking a look the other day at your website that has a display of the covers of all the books you published back when you were the editor of Momentum Press in the 1970s and 1980s. While you’ve not only had your own poems published in numerous anthologies and had your writing translated into several languages, you’ve become known as a representative figure of the Southern California poetry scene primarily because of your activity as an editor, publisher, scholar, and critic.  Along with a discussion of how you’ve promoted poetry over the years, what is it that motivates some poets to not only have aspirations for their own work, but to help and promote others as well?

WM: I doubt that my experience could serve as a basis for analyzing what motivates some poets to promote others. “Surf’s up,” said the culture back then, and what can I say except that I found the self-empowerment of publishing the work of other poets to be irresistible? And by “surf’s up,” I don’t mean just literary culture. If I got pulled aside from my own writing and instead dedicated myself to the small press movement on the West Coast in the 1970s, it was in large part because the means of production had become more accessible. Publishing a book or a magazine was no longer some exotic, mysterious process, thanks in my case to a typesetting machine installed at Beyond Baroque courtesy of the National Endowment for the Arts.

As for personal motives, well, when I was a very young poet in Los Angeles, what were the options? Not only were there hardly any MFA programs, but the few that existed were not sympathetic to my poetics. Fortunately, I found myself in a milieu that included Beyond Baroque (when it was on what is now Abbott Kinney Blvd.), Papa Bach Bookstore, Chatterton’s Bookstore, and the Woman’s Building.

That said, it’s crucially important to remember that I was hardly alone. I could only have achieved what I did because I was part of a much larger literary insurgency on the West Coast. I’m thinking of exemplary poet-editor-publishers such as Lawrence Ferlinghetti, George Hitchcock, Lyn Hejinian, Paul Vangelisti, and Doug Messerli. That quintet is responsible for over a thousand books and issues of magazines that have profoundly shaped what will eventually be regarded as the West Coast canon of postmodern poetry. Add John Martin’s Black Sparrow Press to the mix and you have a serious line-up of cultural agitators. Momentum Press hardly compares with their accomplishments. I suppose for the poets I published, my project didn’t seem minor at the time, but I don’t think any honest assessment would regard it in any other way. Even as a minor effort, however, it was part of a couple dozen other equivalent projects that provided a literary substrate above the aquifer of imaginative artistic activity on the West Coast in the 1970s and ’80s.

In general, whether major or minor, an independent literary publisher’s most meaningful work, beyond surviving long enough economically to make an imprint, is to cluster writers together so that the ensemble of their books becomes a conversation within a reading community. If the publishers are also poets, for instance, their writing will inevitably be embedded within those informal and formal conversations. Therefore, work on behalf of other poets can turn out not to be as selfless as it might appear to be at first glance.

Bill Mohr reads his poem “Why the Heart Never Develops Cancer.”

DG: Can you speak a little about how you happened to start Momentum Press? I may be wrong, but it seems that something was lacking in the literary establishment and you were trying to fill that void. As Beverly Clearly said: “If you don’t see the book you want on the shelves, write it.” With respect to publishing, what was the missing link, and looking back, are you generally satisfied, or is there a poet or writer working today you would’ve wanted to publish in the 70s and 80?

WM: None of us should ever neglect the other option to Cleary’s dictum: “If you don’t see the book you want on library shelves, publish it.” I suppose the missing link—the missing shelf in the bookstore or library—was a set of older poets in Los Angeles who were writing poems as good as one could ever hope to read, and I wanted other people to read them, too. I also suppose it was slightly anomalous for a publisher to be younger than the poets being published, but I saw an opportunity that wasn’t going to last long. There is a part of me, of course, that looks back and wishes that I had just focused on my own writing, but there was a scene at that point that was gaining palpable momentum and the name of the press seemed to fit the situation. One can imagine parallels in pop music, in which people start small record companies because there are musicians and bands that aren’t getting the attention and respect they deserve.

For the most part, I am happy about the backlist of Momentum Press, and wish the books were still in print so that people could easily access them. Kate Braverman’s Milk Run is one of the best first books of poems published in the 1970s, but people shouldn’t have to pay a minimum of forty dollars to get a copy. Kate’s writing in the mid-1970s strikes me now as being a kind of forerunner to Alexis Rhone Fancher’s poems and short prose, and those who admire her writing would benefit from reading Milk Run first.

In retrospect, I am kind of astonished that I managed to publish so many poets at an early stage of their careers. One always regrets missed opportunities, of course. I wish I hadn’t felt so overwhelmed at one point with production work that I wasn’t able to bring out Eloise Klein Healy’s second book. She had won a Beyond Baroque book contest and was naturally anxious to get a second book out. I still remember how Eloise and I met upstairs at Beyond Baroque one afternoon, and I had to tell her that I just had too many projects in motion to take on another one. My recollection is that Jack Grapes had said that Bombshelter Press was going to bring out her book, but it had kept getting delayed again and again, and Eloise had finally lost patience. Unfortunately, I wasn’t able to take up the slack. Aleida Rodriguez’s rara avis press ended up publishing A Packet Beating Like a Heart, and Eloise eventually was appointed the first poet laureate of Los Angeles, so it’s not as if my inability to assist Eloise completely derailed her development. Nevertheless, despite the fact that Eloise appears in both of the Los Angeles poetry anthologies, I rue that missed opportunity. Her second book is the most egregious missing part of Momentum’s backlit conversation. I suppose it would also have been ideal to have published Wanda Coleman’s first book, but if one looks at the letters between Wanda and John Martin at UCLA Special Collections, it’s obvious that Wanda had her sights set on Black Sparrow long before Momentum Press came along.

I also regret not being able to publish Doug Blazek’s “Selected Poems.” The same with Julia Stein. And is there someone else? Well, it may sound odd, but in retrospect I wish I’d published myself. On a technical level, I did, but the book is almost non-existent. If you look at the list of poets I mentioned at the start of the interview, all of them put out their own books, too, so there’s no reason I should not have done as handsome a job with a significant print run, except that I just didn’t have enough self-acceptance to give myself a place at the table, too.

Certainly, there are poets who have emerged in recent years that I would have wanted to publish in the 1970s, if they had been writing then, and I have used whatever cultural capital I have to get attention for their work. Carol Ellis, who lives in Portland now, for instance, had her first major collection of poems published by Beyond Baroque just before the pandemic started. Beth Ruscio is a very fine actress whose poetry I have encouraged over the years, and I’m delighted to see that her work is getting considerable attention. And, of course, there were poets I recorded on “Put Your Ears On,” my public access poetry program at Century Cable in the early 1990s, who implicitly were an extension of Momentum Press’s backlist: Scott Wannberg, Bob Flanagan, Ellen Sander, and Lynn McGee, for instance.

Finally, in the 70s and 80s, I wish I could have published Tom Lux and Mark Salerno. I vividly remember when Lux made his first reading tour of Los Angeles in the early 1990s. He read at the Chateau Marmont, then Loyola Marymount and then CSU Long Beach, and it was obvious that he fit right into this milieu. Salerno deserves to be far better known, but he is one of the truly elusive maverick poets in this country.

Bill Mohr and Paul Vangelisti on Harry’s Poetry Hour, hosted by Harry Northup

DG: Names such as Harry Northup, James Krusoe, Eloise Klein Healy, Joseph Hansen, Peter Levitt, Holly Prado, and many others have appeared in the pages of your press in one manner or another; in this respect, the titles have run the gamut from individual collections, to anthologies, chapbooks, and beyond. What are some particular projects you have the fondest memories of, and were they also the most successful, or did the reception of some titles take you by surprise?

WMPublishing is hard work, so it feels odd to use the phrase fond memories. Perhaps I get the greatest retrospective pleasure out of how my publishing and editorial efforts changed other people’s lives. For example, I expected Holly Prado’s book of “autobiographical fiction” Feasts to do well in terms of sales, but I never anticipated how it would change the author’s life in such an intimate fashion. Harry Northup tells the story of how he read Holly Prado’s Feasts and decided that he wanted to meet the author. They were together for over 40 years. I still remember a love poem that Holly read at George Sand Bookstore shortly after they met: “You’re the whole damn rodeo.” I think that was the final line of one section. It certainly had that vibe. Holly and Harry went on to launch a poet’s cooperative, Cahuenga Press, which published Cecilia Woloch’s first book as well as a posthumous collection of Ann Stanford’s poems, in addition to their own books.

Lee Hickman’s Great Slave Lake Suite was one of my major successes on the level of critical response. And, of course, my efforts instigated a major change in his life. Leland Hickman told me that he began editing because of my example. He saw how magazines could be an intervention that was every bit as powerful as a poem. I do wish he had kept writing and not poured so much of his energy into editing, but he was not one to make a half-hearted effort. In terms of surprises, though, I never expected Lee’s book to be nominated by the L.A. Times as one of the five best books of poems published in the United States in 1980. It’s hard to top that honor as a publisher, given that I had so little in the way of resources. My penury was not unnoticed by one of the poets I published. I think Alicia Ostriker was shocked a bit to see how I lived. Her book might be my proudest moment. It’s still in print. Obviously, not by Momentum Press. First, the reprint rights went to Beacon Press, and then to the University of Pittsburgh Press. How many books of poems published 40 years ago are still in print as separate volumes? The funny part is that I get called a regional publisher, even though I also published Jim Moore, a Minnesota poet who has published several books with Milkweed Editions and had poems in dozens of magazines, and Len Roberts, who went on to win several honors as a poet after I published his first book. And then there’s also James Grabill. I published his first collection of poem, One River, in 1975. He was living in Ohio then, and he subsequently moved to Oregon. I have never met him. If I’m publishing four poets such as Ostriker, Moore, Roberts, and Grabill, who all live in different parts of the country, in what way am I just a regional publisher?

Bill Mohr reads his poem “Substitute Teacher.”

DG:  With Momentum Press, you’ve edited two anthologies of Los Angeles poets—the first being The Streets Inside: Ten Los Angeles Poets (1979), and the second Poetry Loves Poetry: An Anthology of Los Angeles Poets (1985). While California and New York collections seem to be more common, full-scale LA anthologies are quite rare (except for Suzanne Lummis’s Wide Awake and the occasional magazine that may devote a section to the city). In this respect, it’s been over twenty-five years since your latest undertaking. It does seem we’re ripe for another one, but I wonder: Would you consider editing such a project a third time, and if so, what new names might find themselves in those pages? And also, if you had to select another person to edit such an endeavor, what editor best comes to mind, and why?

WM: It might be easier to respond to that question through a process of elimination. Who are the people who would do a terrible job? At the top of that list is the editor of Rattle magazine. He tries hard, but so many of the poems he picks end up feeling generic in ways that are even less interesting than the infamous workshop poem. Having said that, I want to make it clear that occasionally the real thing shows up in Rattle, but he’s far too inconsistent to entrust with a definitive anthology.

Tony Barnstone put together a fairly comprehensive ensemble of L.A.-based poets for something called Practix. I haven’t seen a copy of it yet, though. I get a sense of it being a limited-run print on demand edition. Maybe I’m wrong about that, but its publication release got stalled by the pandemic, and I don’t know that it will recover and ever gain a foothold as a notable survey of Los Angeles poets.

It would be very interesting to see what Gail Wronsky and Sarah Maclay would come up with if they were given the task of editing an anthology. Or what if Luis J. Rodriguez were to team up with Lynne Thompson? Obviously, being capable of editing an anthology is not one of the necessary qualifications to be a poet laureate for what Peter Schjeldahl has termed a “transmission city,” but it would be a pleasure to see what Luis and Lynne would come up with. They are examples of poets who have considerable, broad support. There is already a hint of how such a book would turn out in a volume that was published a half-dozen years ago: Cultural Quakes and Shifts. That anthology did have a forerunner back in the late 1980s, a few years after my second anthology came out. Michelle T. Clinton and two other poets edited an anthology called Invocation L.A. Michelle moved to the Bay Area a few years later, and she has largely withdrawn from being a publicly active poet.

As for editing an anthology, I think the secret is to start with poems rather than names. Now theoretically, that Best Poems of the Year anthology is reading for just the best poems, but you can’t convince me that is how it turns out. For every time that someone “unknown” such as Alexis Rhone Fancher gets in that collection, there are at least a dozen poems by a name I recognize and their poems often just sit there and look self-satisfied commodities on the grocery store shelf. I hope you keep that in mind when you start editing the anthology you just proposed. Quite frankly, I think you’re the best person for the job, David. The issues of Interlitq that feature California poets have pretty much established you as the frontrunner editor.

What is most needed is the first truly retrospective Los Angeles anthology: William Pillin and Don Gordon; Eileen Aronson Ireland and John Thomas; Gene Frumkin and Grover Jacoby; Charles Bukowski and Wanda Coleman; K. Curtis Lyle and James Krusoe; Manazar Gamboa and Gil Cuadros; Amy Gerstler and La Loca; Will Alexander and Harold Abramowitz; Laurel Ann Bogen and Charles Harper Webb; Michelle Bitting and liz gonzalez, Brian Kim Stefans and Timothy Steele; Stephen Yenser and Harry Northup; Holly Prado and Suzanne Lummis; Jack Grapes Jack Skelley; etc. etc.

DG: Your newest anthology, Cross-Strokes: Poetry between Los Angeles and San Francisco, was co-edited with Neeli Cherkovski, a household name in the Bay Area. Was this particular project a sort of attempt to eliminate the rivalry between the two cities, and if not, why include just poets from LA and San Francisco, instead of realizing a new California anthology, or perhaps even separate anthologies for each city?

WM:  Hey, this is where we come back to the publisher and conversations that their books engender. I made a point in the dissertation version of what became Holdouts: The Los Angeles Poetry Renaissance that it was absolutely silly to let the provincial  rivalries of San Francisco and Los Angeles erase what really mattered: their symbiotic efforts to define a distinct canon of poetry that embroils the entire West Coast. I finished that dissertation in 2004, and Paul Vangelisti was very familiar with that argument. By chance, about ten years ago, Paul was talking to Neeli Cherkovski on a visit to San Francisco. Now one must remember that both Paul and Neeli had been co-editors along with Charles Bukowski of an anthology of Los Angeles poets back in the very early 1970s. When, therefore, according to Neeli, he spontaneously reacted to a discussion comparing poets in Los Angeles and San Francisco, and Neeli realized how many poets had lived in both cities, he suggested to Paul that an anthology gathering all of those poets who had moved back and forth might be an interesting project. The idea found a ready audience in Paul because my dissertation had already well established that hybridity. I was the obvious choice to be a co-editor, and we went from there. The idea wasn’t so much to dampen the contentiousness as to get readers to focus on the common content of poets who have found both cities to be propitious sites for poetry.

DG: It is surprising to find out how much each city is a revolving door for poets on the West Coast.

WM: There certainly isn’t any equivalent on the East Coast. You don’t find large numbers of poets who move from Boston to New York and back to Boston who are members of distinct scenes or movements.

Bill Mohr, poet in the studio

DG: Neeli grew up in Los Angeles, but is one of those California poets who chose to work in San Francisco. You were a teenager in San Diego, I believe, but ended up moving to Los Angeles when you were 20 years old. Let’s talk about Los Angeles, the city in which you’ve worked most of your life. In what way is it easy to be a poet there, and conversely, how is it also very difficult?

WM: As opposed to it being easy or difficult to be a poet in San Francisco or Charleston, South Carolina or Albuquerque, New Mexico? This is a question that has been on the minds of poets, not to mention poet-editor-publishers, in L.A. for well over a half-century, and it’s a topic that would require an entirely separate conversation. I remember when I was briefly part of a seminar on Los Angeles at the Getty Research Institute and the person in charge, Michael Roth, asked me with subtle condescension, “Who wants to be local?” Now I’m not saying that West Coast independent literary publishers had a realistic chance, but many of us really did believe that we could mount a serious challenge to the hegemony of publishers on the east coast who were being acquired by ever larger corporations, which in turn were being folded into the portfolios of even more enormous economic entities. It was not just a literary movement. In retrospect, I guess it would seem to be as much a fantasy as a group of pacifists believing that they defund the Pentagon. At the very least, though, some of us wanted to expose the privileges of cultural capital, if not to redefine the keywords that underpin it. There are still such efforts being made in Los Angeles. Matthew Timmons’s Insert Blanc, for instance.

DG: If the first half of your adult life (1970-1995) ended up with you balancing your own poetry with publishing and promoting other people’s writing, the second half has focuses on writing literary history, and reviews, and critical articles as well as writing your own poetry, not to mention working your way up the ranks at what you’ve referred to in other conversations as “the brain factory.” You came to academia later than most people, having started studying for your M.A. at the age of fifty, and then getting a PhD; in this respect, you actually experienced firsthand the things you’re now teaching: publishing, editing, writing, and so on. In what way, then, was it a blessing to begin your university career in this way, and do you think that many of those who jump straight into university are missing the essential aspects of what makes poetry an art—a way of living in the end, rather than a “career?”

WM: I think in a courtroom your question would be called “leading the witness,” but the judge has ruled that the witness can proceed. I don’t know that it gave me any advantage other than having to wait for the 1970s and 1980s to become distant enough to seem as if they were a distinct ring on the “Great Tree of the Literary Canon.” The academic professionalization of poetry began in earnest in 1980s. As I pointed out in Holdouts, many people forget how few MFA programs existed back in the late 1970s. It was only when the academy realized that the small press movement was a serious challenge to mainstream control of poetry that the counter-attack began, and it’s not entirely coincidental that one sees Reagan elected about this time. Now if I’d been “smart,” I would have cashed in and gotten an MFA in the early 1980s, and gone from there—I didn’t, however, in large part because I really was alienated from American society and I wasn’t interested in a “career.” If my involvement in non-academic scenes was prolonged far beyond what might be expected of a young poet, I would attribute that to the presence of Beyond Baroque. It’s not that I haven’t had a problematic relationship with that organization over the past half-century, but it’s been a constant entanglement that proved to be essential to my development for a half-century. In the early 1980s, for instance, when I could have jumped ship so to speak and gotten academic credentials, it was Beyond Baroque that kept me anchored in L.A. To that extent, the way that the scene at Beyond Baroque caught a second wind with the emergence of what is called “the Cooper gang” was pivotal in keeping me around long enough to become part of the New Alliance catalogue of spoken word. I still treasure my memories of hearing my poems played simultaneously with music tracks chosen by Liza Richardson on the “Man-in-the-Moon” radio show on KCRW.

Bill Mohr reads his poem, “Ball of Tension.”

DG: Your wife, Linda Fry, is a painter. Have either of you ever switched genres? If so, what was the result?

WM: I’ve modeled for Linda, both intentionally and unintentionally. The latter occurred when I started sharing studio space with her about three years ago. We currently share a studio in the Loft, which is over in San Pedro. She recently had a show of large paintings up on the third floor exhibition space, and I threw a birthday party for myself that was also a closing reception. Due to the COVID pandemic, I hadn’t seen many of the poets in the same space for quite a while. I enjoyed painting, but I hardly regard myself as a visual artist. I did have a painting selected for a juried show in Long Beach in which the work was judged anonymously, so I guess it has some degree of merit, but there are a lot of poets who are also visual artists much better than I will ever be, and some of them are friends. Brooks Roddan, for instance, is a fine poet as well as a painter.

Bill Mohr with Linda Fry

DG: What are you reading or working on at the moment?

WM: I am working on an essay about William Carlos Williams’s influence on West Coast poetry that a guest editor at the William Carlos Williams Review recently asked me to write. It won’t be the first time I’ve contributed to that journal. One of my favorite essays from back when I was a grad student at UCSD got published in it, and it’s time for a follow-up piece. However, I do need to bear down on assembling a volume of my essays about West Coast poets and getting it published as soon as possible. Trying to do that work, and write poems, and teach and do committee work is more than can be done at the same time, unfortunately, especially at an institution where committee work is unfairly distributed.

I’m also focused on getting my literary archive organized. The editorial archive is already at UCSD, and it’s still up in the air about where the complementary papers will end up. I really need to get this material placed somewhere by the end of 2022. USC offered to house the material, but at this point it looks as if UCSD will end up getting the whole kit and caboodle. I must say that it will be a relief to get four dozen large boxes out of a public storage unit and have it all formally catalogued.

As for my own poems, I’m revising a manuscript of selected shorter poems that I first put together about ten years ago. Although this manuscript will cover the period between 1970 and 2020, perhaps I will have the good fortune and the patience to wait a few more years so that I can include some recent poems in the volume, though that would mean I’d lose the circumnavigation of exactly a half-century. Ideally, I’ll live long enough and stay sufficiently productive to round off another decade. Longevity is like getting one’s work translated. It’s more a matter of luck than anything else. I still remember the thrill of getting an email from Mexico from Jose Luis Rico asking if I would like a book of my poems translated into Spanish. Having Bonobos Editores publish the book of poems (Pruebas Ocultas) and being invited to make three trips to Mexico to read my poems was the greatest honor I have ever received. If something like that happens again in what remains of my life, I would be delighted, but that memory is probably the one I will linger with if I have any consciousness left in my final hours.



About Bill Mohr

Poet, editor, publisher, scholar, and critic, Bill Mohr is widely recognized as one of the leading literary activists in Southern California in the past 40 years. His writing has been featured in over a dozen anthologies, and translated into Spanish, Japanese, Italian, and Croatian. His work as editor/publisher of Momentum Press received four awards from the National Endowment for the Arts, and his honors include being a visiting scholar at the Getty Research Institute in Los Angeles and fellowships at the Huntington Library. His highly praised account of West Coast poetry, Holdouts: The Los Angeles Poetry Renaissance 1948-1992, was published by the University of Iowa Press in 2011. In 2018, What Books Press published The Headwaters of Nirvana. He is a professor in the Department of English at California State University, Long Beach.

La idoneidad de un productor  y su aporte a la música latina. Entrevista a Leandro Álvarez


Leandro Álvarez



Entrevistado por Yamila Musa


La idoneidad de un productor  y su aporte a la música latina 

El amor temprano por la música y sus ambiciones. La fusión entre lo autóctono y los diferentes estilos, entre lo tradicional y lo moderno, son conjugados por Leandro Álvarez, destacado músico y productor argentino. “Siempre hay una cuotita de hacer una canción pop con un charango, siempre lo folclórico está detrás, el ritmo, o lo que tenemos los latinos”. Rodeado de artistas de trayectoria de la industria musical, en esta oportunidad, mujeres latinoamericanas, quienes lo acompañan y levantan su voz como protagonistas de su próximo disco, Criollas. 

¿Cómo fueron los inicios de tu carrera? 

Cuando era chico, de intruso e inquieto tocaba uno que otro instrumento. Estudié guitarra y percusión. En ese momento, también me recibí de profesor de danzas folklóricas, era muy jovencito, tenía 13 años. Tres años más tarde, tuve la oportunidad de estar tocando en mi provincia, Santa Cruz, en una de las bandas más reconocidas de la zona, Los Nycs. Hacíamos música del sur. Ese fue mi primer trabajo en la música donde tuve la oportunidad de viajar mucho y de que me pagaran por tocar. Entonces, se empezó a tornar todo más profesional. Así mismo, tocaba con otras bandas de la zona. 

A los 18 años me trasladé a Buenos Aires. En esa época, tenía un trabajo que no era relacionado a la música, me dedicaba a estudiar cuando podía y frecuentaba muchos lugares. Tuve la oportunidad de empezar a tocar con Bruno Arias, con Los Carabajal. Fue mi primera grabación en estudio profesional. Grabé mi primer disco con ellos, también estaba Mario Álvarez Quiroga, Peteco Carabajal, tuve la oportunidad de grabar tres canciones. Luego empecé a trabajar en el estudio Triada, grabé un montón de discos, no solo de Argentina sino de México. Tenía 22 años en esa época, así empezó mi carrera.

 ¿Te imaginaste un futuro ligado a la música?

Siempre me imaginé un futuro ligado a la música, nunca supe de qué manera. Como me dedicaba más a la percusión, pensé que iba a ser percusionista, que iba a ser músico de sesión. Pero con el tiempo, las cosas fueron cambiando. Empecé a interiorizarme más en la grabación que es a lo que me dedico actualmente. A producir, a estar más tiempo en un estudio, en vez de viajar y estar de gira. Pero siempre relacionado con la música.

Están por lanzar un disco llamado Criollas que involucra a mujeres latinoamericanas ¿cómo surgió ese encuentro a la distancia con artistas de diferentes culturas y géneros musicales? 

Criollas. La verdad que es un disco muy ambicioso, no solo por el calibre de las artistas que son número uno en América Latina, representantes de sus países, sino por lo que implica un álbum de mujeres. No solo hay artistas mujeres, sino que hay también ingenieras y técnicas que trabajaron, está buenísimo. Todas son de un género distinto, vienen de hacer música pop, rock, y con estas canciones su público las va a poder escuchar hacer haciendo música tradicional de sus países. 

Es muy moderno lo que se va a escuchar, son canciones tradicionales de autores tradicionales, pertenecientes al país de origen de cada una de ellas. Francisca Valenzuela, ganadora hace muy poco de tres estatuillas de los Premios Pulsar, haciendo una canción de Violeta Parra; Manu Manzo con nominaciones al Latin Grammy, interpretando una canción de Simón Díaz. Ese es el contexto del disco, muy ambicioso desde lo artístico, estamos muy contentos. También tengo la oportunidad de estar produciendo esto con Rafa Sardina, actualmente el número uno en la industria mundial de la música, y que lo masterice Gavin Lurssen, el ingeniero de Red Hot Chilli Peppers, Rolling Stone, la verdad que es alucinante. 

La mayoría de tus trabajos reivindican la cultura musical latina ¿cuáles son los aportes de la música latinoamericana a la música universal?

Como mi origen es del folcklore, con el transcurso de los años mi carrera fue cambiando, quizás es hasta lo menos que hago. Pero cómo lo llevo arraigado, no solo al folklore argentino sino al folklore latinoamericano, se me hace muy difícil no dejar ese toque, ese sonido o querer estar ligado a eso. Entonces, siempre hay una cuotita de hacer una canción pop con un charango, siempre lo folcklorico está detrás, o el ritmo o lo que tenemos los latinos. Creo que la música latina a nivel universal es fundamental, hay países como Israel, Rusia, que la gente no sabe hablar en español pero cantan las letras en español. Es reivindicar nuestra cultura, nuestro idioma, nuestros ritmos, nuestros sonidos, es fundamental y cada vez es más fuerte. Con la globalización, el internet permite acceder a tanta información, es primordial. 

Por último ¿cómo influyó la pandemia en tu profesión y en tus proyectos?

Mi rubro fue bastante golpeado, más que nada para los artistas que viven del vivo. Pero es una cadena, para nosotros que estamos más en un estudio, si el artista no generó trabajo o ingresos no puede invertir en un disco. En mi caso particular, tuve la suerte de continuar con el trabajo. Estaba con proyectos cuando comenzó la pandemia y pude seguir con los mismos y arrancar otros nuevos. El disco Criollas lo empezamos unos meses antes de la pandemia, trabajamos más durante el aislamiento porque aprovechamos a las artistas que no estaban de gira, sino hubiese sido más difícil. A mí no me modificó mucho porque siempre mi trabajo fue encerrado, desde casa o desde mi estudio. Tengo varios colegas que estaban lógicamente con poco trabajo por todo lo sucedido, entre todos tratamos de darnos una mano. La verdad no me puedo quejar, estoy muy agradecido, tanto a la gente que me da trabajo, como a la vida misma y al universo por poder estar siempre activo.



Leandro Álvarez (Https:// es un músico productor argentino. Ha trabajado con los artistas y músicos más destacados de su país y el mundo, como Alambre González,  Divididos, David Lebon, Los Carabajal, Bruno Arias , Paula Arenas, Manu Manzo, Nicole Pilman, Francisca Valenzuela, por destacar algunos.

En el año 2010, dio muestras de ritmos latinoamericanos en Barcelona, Italia y Francia. En el año 2016, recibió en el salón Azul del Senado de la Nación Argentina la distinción Enrique Cresto por su trabajo Mi Land Criollo. En Septiembre del 2019 recibe su primer nominación a un Latin Grammy por la producción del álbum “Canta Las Letras “ de 123 Andrés. Cuenta con  48 álbumes registrados en la Asociación  Argentina de intérpretes  (AADI).

Actualmente se encuentra en distintas producciones en Estados Unidos para Cine.



Yamila Musa nació en Villa María, ciudad de la provincia de Córdoba. Con sólo tres años, comenzó su formación en Declamación y Arte Escénico. Esto la llevó a proyectarse en la comunicación integral, por lo cual concretó sus estudios de Licenciada en Comunicación en la Universidad Nacional de Córdoba. Al finalizar su carrera universitaria se trasladó a la Capital Federal en búsqueda de nuevas oportunidades. Realizó diversos trabajos relacionados al sector de la cultura, entre ellos como Directora de Producción de la Película “La Invención de Borges” del Director francés Nicolás Azalbert. Actualmente es editora de la revista The International Literary Quarterly,  y colaboradora de la Fundación Cineteca Vida.

Entrevista con Artista Surcoreana JeeYoung Lee por Tatiana Cwaigenberg

JeeYoung Lee



Entrevista con JeeYoung Lee


Entrevista en ingles

PREGUNTA: ¿Qué estudiaste? ¿Te permitió esa educación formal llegar a lo que hacés hoy en día?

RESPUESTA: Recibí mi título de grado en comunicación visual y diseño y un master en fotografía en la Universidad Hongik en Seoul. Siendo estudiante, elegí la fotografía como Proyecto final, que se convirtió en las bases de lo que sería mi serie “Stage of mind”. Si bien seguí los estudios para aprender más sobre fotografía, el entrenamiento tradicional no fue un factor determinante en mi concepto. Durante la Carrera me interesé por las artes del teatro y el diseño de producción. Participé en un club audiovisual en el colegio, involucrándome frecuentemente en el equipo de montaje escénico. Trabajé también de asistente en una productora de comerciales. Creo que lo que verdaderamente formó lo que produzco hoy en día fueron mi personalidad, mis intereses y mis experiencias.


P: ¿Podrías guiarnos en tu proceso de creación y desarrollo de tus trabajos? Dijiste en entrevistas previas que elegís no retocar digitalmente tus fotos, ¿por qué es eso?

R: Una vez que me decido en un tema/objeto, realizo un boceto de lo que voy a generar. Luego paso a la investigación, preparación y planificación. Suelo probar diferentes materiales hasta encontrar el correcto. Cuando defino todo eso es el momento de la producción en sí.  Tengo un marco de madera dispuesto en mi estudio. Lo pinto, creo manualmente los objetos que irán en el set y los voy ubicando en este. Una vez listo el set, saco fotos de prueba. A veces aparezco en esas fotos como modelo. El resultado final lo capturo con una cámara analógica de formato largo 4×5. Hecha la fotografía, desarmo todo el set.

La existencia es un componente clave en mi trabajo. No modifico digitalmente mis fotos por las siguientes razones: Lo que hago es una recreación de distintos paisajes internos generados en mi mente, pero a la vez son “reales” porque reflejan mis experiencias y emociones. Materializo lo que está en mi cabeza armando instalaciones y documentándolas en fotografía, el medio más fidedigno para registrar la realidad. Creo que esto explica por qué elijo la fotografía en conjunto con las instalaciones como medio.

El resultado final es en forma de fotografía, pero considero el proceso de armar la instalación, posar dentro de ella, sacar la foto y destruir el set como partes dentro del todo en mis creaciones artísticas. El agotador y riguroso proceso de armar el set es casi un recorrido espiritual. Capturar un momento en el tiempo, armar el set y posar detrás de una cámara me permite dar un paso atrás y observar la experiencia como una tercera persona. En otras palabras, revivo la experiencia como la protagonista y como observadora. Mis obras me permiten recapitular mis experiencias pero también me ayudan a superar las emociones implicadas en ellas. Todo se encuentra involucrado en mis esfuerzos por crecer y progresar, mirándome y mirando mi vida de forma más positiva.


P: ¿Qué artistas te influenciaron?

R: Mi artista favorito/a cambia todo el tiempo. Últimamente me gustan las obras de Chiharu Shiota y Yayoy Kusama. Tim Burton y Michel Gondry son mis preferidos desde siempre. Suelo inspirarme de diversos/as fotógrafos/as de sets artísticos también.


P: Cuando en Buenos Aires se realizó la puesta de la exhibición de Yayoi Kusama fue furor. En sus exhibiciones, la interacción con el espacio en específico es esencial y a la vez fluctuante, se adapta y se modifica. ¿Qué aspectos positivos y negativos encontrás en llevar a cabo tus sets en estudio y no directo sobre galerías? ¿Qué efectos genera la fotografía como producto final en los espectadores y las espectadoras y en la obra artística en sí?

R: Lo que creo en mi estudio es un registro de mis propios tiempos y soy libre de las restricciones temporales, aunque esté restricta en términos de espacio. Cuando creo instalaciones para que audiencias las vivan, considero su percepción del espacio y experiencia un componente esencial. La pregunta del “dónde” también es una parte importante de mis instalaciones. Cuando recreo una pieza, ajusto detalles, escalas y diseño para que se ajuste a la locación. Cada instalación es diferente incluso si es una réplica de algún trabajo anterior.

Ninguna de mis instalaciones está creada para ser preservada para siempre. La fotografía es el resultado del proceso. Espero que quienes la ven puedan expandir su imaginación por sobre la escena y encontrar algo replete de significado. Espero que descubran un relato en ellos mismos y ellas mismas.


P: ¿Cuáles de tus obras son tus favoritas? ¿Por qué?

R: “Ansiedad” fue importante para mí. Esa pieza consiste de dos partes: video y fotografía. Representan el reino de lo consciente/exterior y de lo subconsciente/interior. Contraté a una performer y la grabé. La parte en video de esta obra aborda de forma más directa las emociones. “Ansiedad” fue experimental para mí porque debí y logré separar mi yo interior en dos capas (la consciente y la subconsciente) como si soñase dentro de un sueño.

Quiero realizar más videos en el futuro. Creo que este sería una buena referencia.


P: Tus trabajos son considerados por algunas personas como surrealistas, ¿te sentís conectada con ese movimiento?

R: Creo que las personas dirían que mis fotos son surrealistas porque recurro a metáforas, símbolos y códigos para expresarme visualmente. Siempre estuve interesada en reinterpretar lo que siento familiar o cercano y transformarlo en algo desconocido.


P: ¿Sentís que tus obras tengan un trasfondo político?

R: No creo que mi obra tenga trasfondos políticos. Se centra en lo personal, los recuerdos, las emociones. Pero si me involucrase con algún movimiento político, no dudaría en que se vuelva un tema en mis próximos trabajos.


P: ¿Cuáles tres palabras elegirías para describir a tu país? ¿Cómo sentís que Corea del Sur haya influenciado en tus trabajos?

R: Competitividad, velocidad y presión. Surcorea ha progresado mucho en poco tiempo. Somos muy sensibles al cambio y nos incorporamos rápido a nuevas tendencias. También tenemos altas expectativas en las personas. Como parte de esta sociedad, siempre siento cierta presión que expreso luego en mis fotos.


P: En los últimos años, el arte asiático ha tenido mucho impacto internacional. ¿Notás el panorama artístico de tu país incrementando y expandiéndose? ¿Qué percibís de este intercambio entre Asia y el resto del mundo?

R: Sé que el cine coreano y nuestra cultura pop ha incrementado en seguidores. Las redes sociales nos permitieron crear grupos donde intercambiar intereses sin restricciones geográficas. Creo que estos intercambios culturales ampliarán perspectivas en la gente y permitirán superar ciertas diferencias o tensiones entre culturas. En tiempos como estos, nos definen más nuestros gustos que dónde estamos.


P: ¿Te gusta trabajar en equipo? ¿Cuáles son tus próximos pasos?

R: ¡Siempre recibo con gusto la posibilidad de trabajar con un equipo! Por el momento estoy planeando filmar un video-performance con una coreógrafa para mi próxima obra. También me interesan las cuestiones ambientales. Me gustaría crear algo usando materiales reciclados abordar este problema.



Link to Bio – JeeYoung Lee
Jeeyoung Lee es licenciada de artes en diseño y comunicación visual de la universidad Hongik (Seúl, Corea del Sur) y tiene un master en fotografía en la misma universidad.
Ha realizado 11 exhibiciones por su cuenta incluyendo Devaneios: Os Mundos de JeeYoung Lee (Farol Santander, Brasil), Stage of Mind (K11 Art Space, Hong Kong) y Stage of Mind: Scène d’Esprit (Opiom Gallery, Francia). También participó de exhibiciones grupales como The New Era of Photography: The Fever of “Self- Portraits” (Pier 2 Art Center, Taiwan), Another Way of Telling (Suwon IPark Museum of Art, Corea del Sur), The Secret Kingdom (Buk Seoul Museum of Art, Corea del Sur) e Imaginarium (Singapore Art Museum, Singapur).
Se han publicado diversos artículos y entrevistas sobre su trabajo en revistas y medios tales como Cultura en la BBC, CNN internacional, el Huffington Post, el New York Times, en tres medios franceses y más.
JeeYoung Lee recibió varios premios, tales como The Sovereign Asian Art Prize Finalists Top 30 (2012, Hong Kong) y OCI Young Creatives (2013, Corea del Sur).



Biografía – Tatiana Cwaigenberg

Tatiana Cwaigenberg es una estudiante argentina que vive en Buenos Aires y pasó el año final de su educación inicial en Londres. Asiste a un taller de escritura creativa, estudia música e idiomas  y está incursionando en la realización cinematográfica. Da apoyo escolar para chicos/as de primaria y jardín en un merendero autogestionado por estudiantes.

Relegadas: Retratos postergados (Elsa Bornemann), por Tatiana Cwaigenberg

Elsa Bornemann


Relegadas: Retratos postergados (Elsa Bornemann)

Elsa Bornemann se nutría de lo universal. Hija de un relojero alemán y una argentina descendiente de portugueses y españoles, Elsa Bornemann nació en la Ciudad de Buenos Aires el 20 de febrero de 1952.

Uno de sus libros fue censurado por los militares en la última Dictadura que Argentina atravesó. No era una biografía de Lenin ni una novela sobre Evita: era una antología de cuentos infantiles. Animales parlantes, trenzas que miden una cuadra y gatos voladores son algunos de los protagonistas de estos relatos. Un elefante ocupa mucho espacio fue categorizado por los militares como un libro que atentaba contra los valores, la familia, las instituciones y la moral. Cuando la literatura infantil (y aún más la que contenía elementos fantásticos) era un género que había sido tan relegado históricamente, en ese momento resultó una amenaza al “orden” que la Dictadura pretendía imponer.

En su literatura se entiende el idioma de los chicos y las chicas como universal, apelando a sus experiencias desde lo humano y no en plan aleccionador. El cuento “Un elefante ocupa mucho espacio” narra mediante animales parlantes de circo, una huelga, una organización. Elsa incentivó a los niños y niñas a provocar, divertirse, pero también a aceptar las dificultades que la vida les pueda generar. Leila Guerreiro la entrevistó en el 2000 y Bornemann le contó que disfrutaba de simular tener otras edades, respondiendo como una nena el teléfono o afirmando que tenía ochenta y siete años cuando alguien le preguntaba (cuando tenía la mitad). Notoriamente, esta actitud también la aplicaba en su oficio, percibiendo los relatos que escribía como si fuese una de sus lectoras.

Políglota, se dedicó a estudiar inglés, alemán, italiano, latín, griego clásico y hebreo. Entrando en la adolescencia, su papá la abandonó y se fue de regreso a su país natal. A los dieciocho, se casó con un japonés que por poco la doblaba en edad. Su poliglotismo también era literario: escribió canciones, poemas, cuentos, novelas y obras de teatro, pero casi siempre destinadas al público infantil. Le contó a Guerreiro “A mí el interlocutor adulto no me interesa tanto como los chicos” y que consideraba fundamental que la lectura ocurra desde los primeros escalones. En sus cuentos, casi siempre atravesados por elementos fantásticos, no teme incorporar el terror, los momentos densos ni los finales tristes. Elsa Bornemann fue una de las pocas escritoras y escritores que escribe para los chicos. Muchos de sus narradores lo son, casi todos sus personajes también.

Sus cuentos fueron leídos por varias generaciones de argentinas, argentinos y personas de otros países. Probablemente, las infancias de todas ellas hayan sido marcadas por Gaspar, el chico que camina con las manos, Simo, el delfín adolescente que en sus cuadernos narra sus vivencias como animal en cautiverio o esos zapatos que cobran vida y ponen los pelos de punta al lector. Probablemente todo aquel que haya leído sus cuentos va caminando por la calle cierto día y sonríe al recordar a Margarita, esa chica con la trenza tan larga cuyo pelo se confundía con una tormenta cuando el viento soplaba. Sin embargo, pareciera ser trágicamente real la frase “lo que pasa en la infancia queda en la infancia”: Elsa Bornemann falleció el 24 de mayo de 2013, dejando un extenso legado de literatura infantil, y no ha sido aún consagrada como se lo debemos.



Tatiana Cwaigenberg es una estudiante argentina que vive en Buenos Aires y pasó el año final de su educación inicial en Londres. Asiste a un taller de escritura creativa, estudia música e idiomas  y está incursionando en la realización cinematográfica. Da apoyo escolar para chicos/as de primaria y jardín en un merendero autogestionado por estudiantes.

Luis de Bairos Moura: “Milito ideas de justicia y liberación de los pueblos” (por Yamila Musa)


Luis de Bairos Moura

Obra: “La Aparición”



Entrevistado por Yamila Musa



En el camino que fuiste transitando durante tu carrera ¿podrías reconocer cuáles fueron tus aciertos y cuáles tus errores? 

Uno es plural, es parte de un todo significante, donde la historia se articula diferente según los momentos que rememora. Cuando se acarician relieves propios, los mismos no están en otros cuerpos, habitan en un espacio donde predomina la imaginación. Así sucede cuando se evoca el cielo y el infierno y terminan definiendo lo que uno es.

Creo que un  acierto principal para mi vida fue abrazar el arte como ejercicio vital, un espejismo donde sucede el dolor, las sombras y el placer, y te convierte en alguien que percibe y modela desplazamientos infinitos de la mirada. Como distintos espejos jugando en simultáneo y donde uno elige desde la incertidumbre.

Errores hubo muchos, y casos en que toda acción suponía arriesgar tu vida o la de otros. También, se debe entender que el poder manejando toda la estructura de un sistema social, no da espacio a la disidencia y decide las condiciones.

Si tuvieras que definirte ¿te identificas más como latinoamericano o como ciudadano del mundo? 

Aunque los parámetros del capitalismo hace sentir ventajas con la globalización, lo real es que con necesidades y pronunciamientos similares, somos distintos: no son los mismos los que viven en Haiti, los que viven en Nueva York o en Argentina. La integridad es lo posible, resistiendo heridas, guerras, el saqueo de tus esfuerzos de manera sostenida, contra una clase social empeñada siempre en someter a la humanidad.

Soy ciudadano de una pequeña ciudad donde nací, y del barrio donde  vivo ahora en Buenos Aires. Milito ideas de justicia y liberación de los pueblos. Y las etiquetas me incomodan, porque la particularidad de cada uno, me hace diferente, no especial, sino distinto.

¿Qué debería aprender América Latina de los Estados Unidos y qué debería aprender Estados Unidos de América Latina? 

E.E.U.U. debería entender que nuestros pueblos no son piezas para alimentar la voracidad de sus corporaciones. Que el riesgo de ser poderosos les impone una responsabilidad moral que no acatan ni les interesa. Su destino es siempre extender el poder imperial.

Y América Latina debe dejar de mirar a E.E.U.U. como cuna del bienestar, subordinando sus deseos al amo. No se aprende nada de quienes crean guerras, saquean pueblos y promueven todas las formas de dominio y exterminio en el mundo.

¿Considerás que América Latina sufre una secular explotación desde los tiempos de Colón hasta el presente y tiene las “venas abiertas” como refiere Eduardo Galeano en una de sus obras?

Sí. Y es difícil pensar cambios en corto tiempo. Nos enfrentamos a un poder extraordinario en pocas manos, que se queda con más del 60% del PBI mundial, y compromete a la humanidad en toda su dimensión por rentabilidad.

Será necesario pensar estrategias globales quienes soportamos estas injusticias, y buscar consensos y herramientas necesarias para crear nuevas capacidades de combate.

Si pudieras tener la experiencia de cambiar durante un tiempo tu género y tu raza ¿lo harías? ¿Cómo te imaginas?

Probablemente no. Es difícil, uno lucha por la defensa de los vulnerables de la tierra, y no alcanza a componer otra imagen que la que resulta de tu singular historia. Uno es parte del otro, pero no es el otro…




Luis de Bairos Moura o Luis Debairosmoura como ha firmado muchas de sus obras.  Nació en 1943 en San Miguel de Tucumán, República Argentina. Entre 1963 y 1968 crea e integra el “Grupo Mayo”, y más tarde el “Grupo Trilce”. Reside en Buenos Aires desde 1970. En 1973 integra las “Brigadas Muralistas Castagnino”, y asume por elección el Secretariado de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos hasta 1975; asume su Vicepresidencia desde 1989 hasta 1990. 

Fue Jurado en distintos concursos y salones del país. Poseen obras suyas importantes colecciones privadas y museos del país y el exterior. 

Ganó 38 premios, 17 en pintura, 20 en dibujo y 1 en fotografía digital, y ha realizado 51 exposiciones individuales y más de 240 muestras grupales.

Fue declarado en 2006 “Visitante Ilustre” por la Universidad Nacional de Tucumán.


Yamila Musa nació en Villa María, ciudad de la provincia de Córdoba. Con sólo tres años, comenzó su formación en Declamación y Arte Escénico. Esto la llevó a proyectarse en la comunicación integral, por lo cual concretó sus estudios de Licenciada en Comunicación en la Universidad Nacional de Córdoba. Al finalizar su carrera universitaria se trasladó a la Capital Federal en búsqueda de nuevas oportunidades. Realizó diversos trabajos relacionados al sector de la cultura, entre ellos como Directora de Producción de la Película “La Invención de Borges” del Director francés Nicolás Azalbert. Actualmente es Periodista & editora de la revista The International Literary Quarterly,  y colaboradora de la Fundación Cineteca Vida.